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Tiempo de cerezas en el arte

Cerezas sobre paño. Cristobal Toral (S. XXI. Realismo Mágico. España)

Cerezas. María Zeldis (S. XXI. Méjico)

Cerezas. Antonio Cazorla. (S. XXI. Hiperealismo. España)

Bodegón. Antonio Cazorla

Bodegón con cerezas. Joseph Decker (S. XX. Norteamérica)

Tender a... Luciano Ventrone (S. XXI. Hiperrealismo. Italia)

Bodegón con cerezas, fresas y grosellas. Louise Moillon (S. XVII. Barroco. Francia)

Cerezas. James Neil (S. XXI. Norteamérica)

Frutero con cerezas. Pierre Bonnard (S. XX. Nabis. Francia)

Cerezas. Pierre Bonnard

Bodegón con cerezas. Paul Gauguin (S. XX. Postimpresionismo. Francia)

Bodegón con cerezas. Javier Mulio (S. XX. Realismo. España)

Retrato de una joven con cerezas. Charles- Amable Lenoir (S. XX. Academicismo. Francia)

Cerezas. Josefa Óbidos (S. XVII. Barroco. Portugal)

Cerezas. Sir Lawrence Alma- Tadema (S. XIX. Ëpoca victoriana. Inglatera, nacido en Holanda)

Cerezas. Giovanna Garzoni (s. XVII. Barroco. Italia)

Bodegón. Joseph Plepp S. XVII. Barroco. Suiza)

Joven con cerezas. Giovanni Antonio Boltraffio, discípulo de Leonardo da Vinci (S. XVI. Renacimiento. Italia

Mujer con cerezas. Eva Gonzales (S. XIX. Impresionismo. Francia)

Carducius Plantagenet Ream(S. XIX. Norteamérica)

Si os interesa ver más obras con cerezas en mi blog -

El autor de esta entrada / articulo es: -

Tiempo de cerezas en el Arte

de COCINA Y CULTURA de Rosa

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HA ENTRADO EN el BLOG/ARCHIVO de VRedondoF. Soy un EMPRESARIO JUBILADO que me limito al ARCHIVO de lo que me voy encontrando "EN LA NUBE" y me parece interesante. Lo intento hacer de una forma ordenada/organizada mediante los blogs gratuitos de Blogger. Utilizo el sistema COPIAR/PEGAR, luego lo archivo. (Solo lo INTERESANTE según mi criterio). Tengo una serie de familiares/ amigos/ conocidos (yo le llamo "LA PEÑA") que me animan a que se los archive para leerlo ellos después. Los artículos que COPIO Y PEGO EN MI ARCHIVO o RECOPILACIÓN (cada uno que le llame como quiera) , contienen opiniones con las que yo puedo o no, estar de acuerdo. Mi opinión es ÚNICA Y EXCLUSIVAMENTE la DERIVADA de las notas que pongo , encabezadas por

En los primeros tiempos ponía esta nota : "ARCHIVO publicaciones para PERSONAS CON EL PERFIL (+ DE 50 TACOS ) (NIVEL ECONÓMICO MEDIO) (ALTO NIVEL CULTURAL)." Puede parecer pretensioso , pero es así como me veo a mi y a mi "PEÑA".

Mi correo electronico es vredondof(arroba)gmail.com por si quieres que publique algo o hacer algun comentario.

El cuadro que descolgó el autor del cuadro

Este cuadro de Johannes Vermeer, nacido en 1632, es uno de sus más reconocidos trabajos y una obra muy popular. Si no me equivoco, hasta aparece en la publicidad de algún producto. Es un bodegón con un nivel de detalle espectacular, en el que el aspecto del pan o la leche vertiéndose son auténticas maravillas de capacidad artística para representar la realidad.

También destacan los colores amarillo y azul, este último, basado en el lapislázuli (me encanta esta palabra) y no en la azurita, mucho más barata, como era habitual. Pero no es esto lo que trae a Vermeer a Curistoria, sino el clavo de la pared.

Si se fijan, sobre el hombro derecho de la mujer, en la pared, hay un clavo sin nada colgado, vacío, sin más. No es casualidad, como es lógico. Nada es por casualidad es las grandes obras de arte. Y así, ese clavo denota que algo falta, que algo se dejó el pintor sin colgar.

En los análisis hechos al cuadro mediante rayos X, se puede ver cómo en la primera versión del cuadro de La Lechera, había un lienzo colgado en el muro, un lienzo colgado de ese clavo. En la versión final el autor “descolgó” el cuadro de su cuadro. Pero dejó el clavo que lo sujetaba, curioso.

El cuadro que descolgó el autor del cuadro

de Curistoria de Vitike

Vasily Vereshchagin

Un ataque inesperado, Vasily Vereshchagin. Galería Tretyakov de Moscú.

“Sus cuadros son el mejor seguro contra la guerra”, le dijo el káiser Guillermo II al pintor ruso Vasily Vereshchagin. En 1897, el emperador alemán asistía a la exposición del artista en Berlín, y sus lienzos sobre las campañas rusas en Asia Central plasmaban con exactitud fotográfica la barbarie de aquella y de todas las guerras. Un rostro de miseria y horror poco frecuente en las obras de la época, más propensas a ensalzar las grandes victorias y a adornarlas con coronas de laurel.

Pero Vereshchagin no era un pintor convencional. Su fascinante biografía muestra a un hombre mitad militar y mitad artista. Un amante de la aventura, viajero incansable, gran observador de las culturas asiáticas a las que retrató con vocación etnográfica y un antibelicista que se atrevió a desafiar al poder.

Se graduó en la Academia Naval pero abandonó durante un tiempo la vida castrense para dedicarse a la pintura, hasta que la guerra contra Turquía en los Balcanes le obligó a tomar las armas. Volcaría aquella experiencia en obras como ésta, en la que muestra el horrible coste de la victoria.

Campo de batalla cerca del Paso de Shipka, Vasily Vereshchagin. Galería Tretyakov de Moscú.

La guerra del Turkestán y la conquista de la última frontera.

Unas décadas después de que los colonos europeos se lanzaran al asalto del Oeste americano, Rusia se enfrentaba a la inmensa estepa, de igual modo que los cosacos encararon el vasto llano para conquistar Siberia en el siglo XVI y alcanzar el Pacífico, un siglo más tarde.

Derrotado en la guerra de Crimea, el ejército del zar veía en la campaña del Turkestán una oportunidad de redimirse y una misión civilizadora que buscaba someter a la región (Kazajistán, Turkmenistán, Tayikistán, Uzbekistán y Kirguizistán), solar -entonces y ahora- de distintas tribus musulmanas, de origen turco en su mayoría.

En 1867, la inquietud y el deseo de aventura empujaron a Vereshchagin a aceptar el ofrecimiento del general Kaufman, responsable de la campaña, que le propuso incorporarse a sus tropas en calidad de agrimensor. La empresa militar le convertirá en un valioso testigo de su tiempo. En sus lienzos plasmará una ofensiva sanguinaria y cruel, donde uno y otro bando alcanzan niveles similares de salvajismo. Una realidad bien distinta de la que se imagina en los salones de Moscú y San Petersburgo.

Como cuenta el historiador británico Orlando Figes en El baile de Natasha, “el general Kaufman se enfureció tanto cuando vio los cuadros que comenzó a gritarle y a insultarle y llegó a atacarlo físicamente en presencia de otros oficiales. El Estado Mayor condenó los cuadros como una “infamia contra el ejército imperial” y proclamó que debían ser destruidos”.

Por fortuna, la intercesión del zar permitió que sus obras hayan llegado hasta nuestros días, pero la campaña de desprestigio le obligó a dejar Rusia poco después, angustiado por decenas de amenazas de muerte. A partir de entonces dio rienda suelta a su atracción por el Este. Viajó a la India y cruzó a pie el Himalaya, retratando a las gentes del Tíbet.

Rusia le desterró y pasó el resto de su vida en Europa Occidental, hasta que en 1904 se le presentó la última oportunidad de regresar a Oriente. En plena guerra ruso-japonesa, el almirante Makarov le incorporó a su flota como pintor pero una mina hundió el buque en el que navegaba y murió ahogado, como la mayoría de la tripulación.

La vida de Vereshchagin no debió de ser muy diferente de la de muchos fotoperiodistas, cámaras de televisión y reporteros que hacen su trabajo en las zonas de conflicto. Con ellos comparte la obsesión por mostrar la guerra en toda su crudeza y desnudarla de artificios y oropeles. Inspirado por las historias de Tamerlán, el caudillo turco-mongol que apilaba los cráneos de sus enemigos muertos, Vereshchagin pintó una de sus obras más célebres: La Apoteosis de la Guerra. Un contundente discurso que resumía las experiencias de un hombre que vivió gran parte de su vida junto a la pólvora y la disciplina militar.

La Apoteosis de la Guerra, Vasily Vereshchagin.
Galería Tretyakov de Moscú.

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Vereshchagin y el Salvaje Este

de El enigma ruso de Carlos Franganillo

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Bolero de Ravel y la Evolución (13:46 COMPLETO)

Fragmento de la película "Allegro non troppo" escrita, dirigida y dibujada por el italiano Bruno Bozzetto en el año 1977.

Allegro non Troppo

Hodur
13/01/08 @ 16.17
1 comentario
Bakân, Cine, Cómic y animación,Videos

Allegro non Troppo (1977) es una película italiana dirigida por Bruno Bozzetto. El nombre de la película viene del italiano allegro ma non troppo, una instrucción usada en la música clásica que se puede traducir como “rápido, pero no tanto”, aunque el significado tiene que ver más con “baja la velocidad” o incluso “piensa antes de actuar”…

La película se concibió como una parodia a Fantasia (1940) de Disney; que era animación basada en obras de música clásica. Allegro non Troppo sigue la misma onda, presenta segmentos de animación hechos alrededor de piezas de música clásica, aunque en este caso están intercalados entre pedazos de live action. En estos, aparece un presentador, un animador y un coro de viejas que hacen el paso de una animación a otra mientras hacen humorslapstick que muestran el supuesto proceso de producción de las animaciones en sí.

Toda la historia parte cuando “el animador” anuncia que va a hacer una película de animación con música clásica. Cuando dice que va a ser “una fantasía”, recibe un llamado desde Estados Unidos avisándole que eso ya había sido hecho. De esa manera se inicia el “proceso de producción” de las animaciones que se verá durante todo el resto de la película, que son el plato fuerte de la misma.

Los segmentos de animación son seis, con historias no relacionadas entre sí. Ellos están hechos en base a las siguientes obras: Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy, Danzas Eslavas No. 7 Op. 46 de Dvořák, el Bolero de Ravel, el Vals Triste de Sibelius, el Concierto en Do mayor de Vivaldi y El pájaro de fuego de Stravinsky. La duración de los segmentos fluctúa entre los tres y los quince minutos. Los segmentos varían en contenido, algunos son simpáticos y buena onda, y otros terriblemente brutales.

El calificativo de “parodia” de Fantasia se queda corto, pues considero que Allegro non Troppo es de igual o incluso de mejor calidad que la película de Disney. Es más, rompe el esquema de “película familiar” de Disney para mostrar con animaciones realidades complejas, y una profunda desconfianza a la manera de desarrollo que lleva el mundo occidental. Piensa antes de actuar.

En lo personal me trae recuerdos por que solía ver mucho esta película cuando chico y recuerdo especialmente las animaciones de los dinosaurios con el Bolero y la de la “abejita” con la música de Vivaldi. Pero son todos geniales.

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Prélude à l'après midi d'un faune - (Debussy)

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Claude-Achille Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862 - París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés. Junto con Maurice Ravel, fue una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Debussy es uno de los más importantes compositores franceses y una figura central en la música europea de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1903. ......

Claude Debussy - Wikipedia, la enciclopedia libre

es.wikipedia.org/wiki/Claude_Debussy - En caché

Claude-Achille Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862 - París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés. ...

Biografía - Crítica musical - Obra - Discografía básica

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Publicado por VRedondoF para PVF el 8/19/2011 01:42:00 AM

Fotos en el tiempo: tiempo pasa

Un fotográfo, Nicholas Nixon, tuvo la ocurrencia de hacer lo que podria llamarse fotos en el tiempo de las mismas personas, fotografiar como el tiempo pasa en la gente. Para ello, fotografió cada año a las hermanas Browns, según muestra un reportaje de Izismile. Aquí vemos el resultado, mostrando las fotos tomadas no cada año, que son muchas, sino cada diez años. Aquí en la primera foto vemos a las protagonistas en 1975.

En ésta foto, cuando han pasado diez años.

Otros diez.

Entre ésta foto y la primera el tiempo ha pasado: la friolera de treinta años.

MIENTRAS TANTO:

Fotos en el tiempo: tiempo pasa

de SOBACO de Bucan

Han van Meegeren, el falsificador

Henricus Antonius van Meegeren, más conocido como Han van Meegeren, es un pintor holandés del siglo pasado. ¿Pintor de retratos, de acuarelas, de grandes obras religiosas, de transgresoras provocaciones modernas...? Se preguntarán ustedes. Pues no, su gran especialidad eran las falsificaciones.

Después de que la crítica machara sus obras, las originales, comenzó a copiar a los maestros de siglos pasados y alcanzó tal nivel de perfección que se convirtió en un perfecto falsificador. Durante la Segunda Guerra Mundial, sus falsificaciones fueron compradas por los holandeses para ser entregadas a los nazis y así evitar el expolio de las obras reales. Esto le costó un problema a nuestro hombre. En concreto, una copia de un cuadro de Vermeer que acabó en manos de Hermann Göring.

Meegeren fue arrestado por supuesta colaboración con los alemanes en mayo de 1945. La acusación sostenía que había entregado patrimonio cultural holandés a los nazis, en concreto, aquella obra de Vermeer. Encarcelado, y como era mejor ser acusado de falsificador que de colaborador con el enemigo, demostró su mano para la falsificación. En prisión, mientras era vigilado por policías y su obra contrastada por expertos, Meegeren copió otro Vermeer. Dejó a todos convencidos de su gran maña para la falsificación y se acusó a sí mismo de haber falsificado seis obras de Vermeer en los años anteriores, usando lienzos y marcos del siglo XVII.

Reconoció haber vendido falsificaciones y haber engañado a expertos en arte. También reconoció que Göring tenía una falsificación. Todo esto le supuso un año de cárcel, aunque no llegó a cumplirlo al morir antes.

En cualquier caso, imagínense el espectáculo. En la cárcel, cuando hizo aquella copia y los expertos la dieron por buena. Impresionante.

Han van Meegeren, el falsificador

de Curistoria de Vitike

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